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戏曲现状辨证刍议(4)

5.提高戏曲演员的待遇
   
    社会主义的物质分配原则是“按劳分配,多劳多得”,但是现实生活中文艺界的工资制度并未体现出这个原则。表演艺术门类很多,成才概率、表演难度、表演时付出的劳动强度等,都有很大差别。“戏曲者,谓以歌舞演故事也。”[25] 戏曲演员要有唱、念、做、打、舞的表演;数十年要冬练三九、夏练三伏;表演时要扮成角色,要身穿行头、头戴“盔帽”、脚穿高靴,有的还要背后扎“靠旗”,头戴“翎子”、“狐尾”,身佩宝剑等;盛暑演出也要穿上几层戏装,有的还要穿棉质的“胖袄”;演整本戏要两三个小时;表演动作时身上所有穿戴佩饰不能乱更不能掉,还要表演开打、身段、耍弄兵器道具或翻滚扑跌。戏曲表演的复杂与综合,付出的脑力和体力劳动,是其它表演门类不可比拟的。然而戏曲演员与其它门类同一级别演员的工资却是一样的,很明显存在不合理的情况。戏曲演员与话剧、影视、歌唱、鼓曲、相声、小品等演员的技艺难度和劳动强度不能相提并论。过去戏曲名演员比其它行业演员的经济收入都高,相差悬殊,各业艺术性质差别大,薪酬待遇拉开是合情合理的,不同工而同酬,反而不合情理。特别要提到戏曲武戏演员,他们是戏曲演员中更加辛苦的人群,练功和表演还有人身安全上的危险,更应得到国家的特别爱护和照顾。拉开戏曲演员与其它表演艺术类演员工资待遇的差距。这是对提振戏曲具有根本性的保障之一。

    6.戏曲现状缺乏竞争机制

    过去戏曲演员之间、不同剧团之间都有竞争,相当激烈,这样的竞争一直维持到新中国成立后的1960年代前半期。为什么会有竞争?因为是生存的需要。但是,戏曲演员的竞争是在舞台上,用实力说话。他们既有艺术上的比赛,商业上的拼争,又有技艺上的惺惺相惜和虚心切磋,这是戏曲人的美德和行业优良传统。“四大名旦”争排新戏,都有以“红”字命名的剧目,一些演员在同一地相遇,唱起“对台戏”,都是戏曲存在激烈竞争现象的佐证。戏曲研究家龚和德先生认为:“海派京剧的基本精神表现在竞争意识的强化。”[26] 竞争是帮助事物发展的激素,没有竞争就激发不出来演员的创造力,就不会有奇迹出现。戏曲老艺术家们过去流行“挤兑”一词,演员只有受“挤兑”,才会被逼出新创造。“挤兑”就是竞争,就是逼着你去奋发图强。无论是剧团还是演员,有竞争才有压力,有压力才有求进的动力。没有竞争,日子好混,戏曲事业也就没有发展进步。

    7.盘活戏曲演出市场是当务之急

    (1)戏曲应回归到商业性演出的轨道,恢复市场机制。影响力大的院团长年受国家财政支持,形成盈利不盈利都能存活的惰性思维。要扭转观念,创收盈利是剧团的本分,演员的光荣,戏曲应该回归到商业性演出的正常轨道。
    (2)演出市场不是等来的,剧团要增强为人民群众服务的观念,走出大剧院,积极主动去找市场,送戏到百姓家门口。化整为散,轻装简行,巡回演出,走马换将,走进市场的方法很多,都是戏曲的传统做法,应该继承和发扬,无数个活跃在群众中间的民营剧团的经验可资借鉴。大院团和名演员要放下身段,走出大城市,走进老百姓中去。
     (3)争取青年观众仍然是戏曲演出市场长期的主要工作。现在戏曲观众中的青年人比例较前有所增长,但比例仍然较低,增速太慢。可喜的是一些剧种出现一批青年“发烧友”,以青年为主力的票友票房、“粉丝团”在扩大。青年人热情高,能量大,剧团和演员要顺势利导,巩固和发展青年观众群。
    (4)加大对青少年和幼儿观众的剧场准入优惠力度,过去学生入场看戏以半价优惠,学校包场演出票价更为低廉。现在学生票价没有半价那么优惠,剧场不准少儿入场。对戏曲的兴趣爱好和看戏的习惯是要从小培养受“熏”的,放低对他们的剧场准入门槛,就是戏曲演出市场明天的希望。学校、剧场、剧团、教育文化领导部门乃至全社会,都要重视,齐心共管共建。
    (5)坚决刹住赠票之风,以赠票吸引观众,是戏曲饮鸩止渴的办法,对戏曲演出市场伤害很大,扰乱了购票入场制度,贬低戏曲应有的艺术和市场价值,打击了购票观众的积极性,助长了“蹭戏”的陋习,不利戏曲向商业化市场的回归。
    (6)“文化惠民”是破解戏票价格偏高与观众接受能力矛盾的好办法。比较而言,戏曲票价要比歌星演唱会、相声大会等的性价低得多,可是戏曲观众还是觉得戏票价高,主因是消费的人群不同。两年来天津推行一种文化惠民的地方政策,产生良好的社会效益。政府从原来直接拨发给剧团的补贴金中抽出一部分,用来惠及市民,2016年时居民个人以100元购一张文惠卡,政府给每张卡补贴进去400元,卡内实有500元可供消费文艺演出。如此,文艺演出市场立即被激活,各场演出的上座率均在90 %以上,剧团和演员的演出机会大增,剧团可从演出市场收回补贴金。剧团、演员、观众、创作、剧场、演出市场构成一个息息相关的利益链条,一起活跃起来,收一举多得之效。

    8.培养剧团自身造血机能

    培养剧团自身造血机能,形成良性成长机制,应是文艺演出团体长治久安之策。文艺团体完全依靠政府财政支持维系生存,不是长久之计,反而会造成它们更加严重的依赖,从而进一步萎缩。培养它们自身造血机能,实现自立,才是对它们的真正爱护。具体不外做加、减二法。加法是剧团和演员修炼内功,投身到商业化演出市场中去,创造更多适销对路的文化商品,日益壮大观众群。减法即精兵简政,压缩开支,降低作品制造成本。1980年代曾试行过承包制,一个大型剧团分成两三个承包分队,当年赵燕侠、李世济、杨荣环、厉慧良等都曾率团赴各地演出,红火一时,民族文化、国家、剧团、演员、观众五方获益,效果极好。实干、勤奋的精神应大力提倡,给予鼓励和奖赏。

    9.戏曲既要继承也要紧跟时代

    有“通天教主”之称的王瑶卿有句名言:“戏要跟着时代走。”继承与发展创新应该齐头并进,如果片面强调一方,厚此薄彼,就形成对立。继承是必须的,甚至迫在眉睫。中国戏曲原有剧种将近400个,现仅存200个左右,尚存的剧种也是难以为继。继承是对老的旧的而言,要向老艺术家们请益学习,要挖掘抢救,充分发挥他们“传帮带”的作用。可是现实中大批70岁至近90岁的老演员在家颐养天年,对他们中的大多数是敬而不近,养而不用,何谈继承。另外,只强调继承也不行,观众都有求新的欣赏心理,剧目要新旧搭配,古今结合,表现形式要推陈出新。传统老戏、新编古装戏、现代戏三并举,仍然是今天戏曲剧目建设的正确策略。有的老戏要改造,现代戏要反映现实生活,现实生活与五千年历史,都是取之不尽用之不竭的创作资源。继承也不意味着要复古,“保持民族化,不是回到过去,‘原汁原味’地展示‘活化石’。”[27] 。

10
回归戏曲表现方法的基本特征

写意、虚拟、简洁是中国戏曲表现方法的基本特征,在人物情感的表达上求真求实,在场景状物上避实就虚。所谓“大制作”违背且破坏了戏曲的这些特征本质。“造成‘大制作’盛行的主要责任者应该是那些对舞台样式有较大话语权的导演。希望在评奖中对过度的、不适当的‘大制作’应当作出不提倡的‘导向’。”[28]  2016年8月5日在“艺海观潮”学术研讨会上,中国舞台美术学会荣誉会长蔡体良先生代表舞美专家提出:“过度舞美创作会造成艺术腐败;舞美‘大制作’除了制造华丽,还会制造垃圾;舞美制作必须要有规矩。”[29]扭转不良风气,回归戏曲表现的艺术规则,充分调动演员表演技艺,发挥一桌二椅为代表的戏曲传统的写意、虚拟、简洁的奇妙功能,是戏曲发展的正确导向。

三、结论

戏曲是中华民族文化的符号性宝贵遗产,是世界古典戏剧仍在存活的代表,保护并支持戏曲传承发展是全社会的大事,关乎到中华民族复兴的中国梦的全面实现,需要全局性统筹设计,动员全社会各方面力量协调配合。培养戏曲人材,开拓演出市场,培养青少年观众,加大他们进入戏曲演出剧场的优惠力度,加强学校内外的戏曲知识教育,加强舆论对戏曲的宣传,提高戏曲演员与其它演员的差别性经济待遇,促进戏曲创作和表演方式与时代的融合,充分发挥演员在戏曲创作中的主导作用,鼓励演员个性化艺术创造。

我们翘首以盼戏曲兴盛局面的出现,相信戏曲会迎来光辉灿烂的明天。

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